Burlesque La Musicale, présentée au Savoy Theatre du 10 juillet au 6 septembre 2025, est un tourbillon scintillant de strass qui propulse le film culte de 2010 (Burlesque, réalisé par Steven Antin, Coyote Ugly) sur la scène du West End avec des voix puissantes, des visuels grandioses et une énergie débordante. Adaptée par Steven Antin (Coyote Ugly) avec du matériel supplémentaire de Kate Wetherhead (Submissions Only), la production avance avec assurance, mais n’atteint jamais tout à fait le statut de canon camp que son prédécesseur cinématographique a acquis, particulièrement auprès des publics queer qui ont fait du film un texte sacré orné de paillettes.
L’histoire reste fidèle à l’original : Ali Rose (Jess Folley, The Voice), une jeune fille de petite ville avec un rêve et une voix en or, arrive à New York — ici substitué au Los Angeles ensoleillé du film — à la recherche de sa mère estranged, Tess (Orfeh, Pretty Woman The Musical). Elle découvre un club de burlesque décadent du centre-ville et y trouve non seulement un foyer, mais une scène éclatante pour exprimer son cœur. L’intrigue, esquissée à grands traits, ne s’éloigne pas des tropes familiers de transformation. Là où le film assumait ses clichés avec un clin d’œil, mettant en scène le fantasme comme réalité et l’absurde comme évangile, la musicale les expose. Ce qui était délicieusement invraisemblable à l’écran — Ali maîtrisant une chorégraphie entière dès sa première soirée ou sauvant le club grâce à une astuce juridique sur les droits aériens — semble étrangement sérieux sur scène, où l’absence de lustre cinématographique met en lumière chaque invraisemblance.
Les tentatives d’ajouter de la nuance émotionnelle ou d’approfondir les relations alourdissent le rythme, particulièrement dans un second acte qui s’appuie fortement sur l’exposition. Pourtant, la production ne s’engage pas pleinement dans le camp non plus, la laissant suspendue dans un purgatoire tonal — trop sincère pour être ridicule, trop ridicule pour être prise au sérieux.
Mais quand elle mise sur le spectacle, Burlesque s’envole. La scénographie de Nate Bertone (The Great Gatsby) est une fantaisie palpitante d’enseignes néon, de murs vidéo et de brume de nightclub, transformant le Savoy historique en un podium scintillant de glamour hédoniste. Les costumes de Marco Marco (RuPaul’s Drag Race) et Roberto Surace (The Cher Show) — corsets, plumes et talons vertigineux — rendent hommage au burlesque vintage et à l’extravagance des bals drag. La chorégraphie de Todrick Hall (Kinky Boots), fluide et incisive, s’inspire du style des clips vidéo : les corps claquent, tournoient et ondulent avec intention. Dans ses meilleurs moments, la scène devient une cathédrale de paillettes, où le spectacle est une salvation.
Musicalement, le spectacle frappe plus fort qu’un canon à paillettes. La liste des chansons — incluant des titres emblématiques de Christina Aguilera (Genie in a Bottle, Show Me How You Burlesque), Sia (Chandelier), Diane Warren (I Don’t Want to Miss a Thing), ainsi que de nouveaux morceaux de Hall (Nails, Hair, Hips, Heels) et Jess Folley (Who You Are) — combine des hits pop et des hymnes sensuels pour créer un univers sonore mêlant cabaret de diva et rave underground. Les numéros d’ensemble comme « Express » et la ballade de Tess à 11 heures enflamment l’auditorium d’une énergie que les scènes dialoguées peinent à égaler. Les orchestrations de Tom Curran (Six) et la supervision musicale de Toby Higgins (The Addams Family) garantissent un impact percutant, bien que certains nouveaux titres, bien que soignés, manquent du crochet instantané ou du poids mythique des chansons emblématiques du film.
Vocalement, la distribution est impressionnante. Jess Folley incarne une Ali sincère et techniquement irréprochable, même si elle manque de l’imprévisibilité explosive de l’incarnation d’Aguilera à l’écran. Orfeh, nommée aux Tony, rayonne de chaleur et d’autorité en Tess, canalisant la gravitas iconique de Cher (Moonstruck rencontre matriarche de Club Kid) et apportant un ancrage émotionnel bienvenu. Todrick Hall, cumulant les rôles de metteur en scène/chorégraphe et interprète (Sean et Miss Loretta), insuffle un charisme débordant, bien que sa présence omniprésente — composant 19 des 30 numéros — incline parfois trop le projecteur vers lui, comme l’ont noté certains critiques avec des remarques sur un « ego débridé ». George Maguire (Sunny Afternoon) en Vince sournois et Paul Jacob French (An Officer and a Gentleman) en Jackson sincère offrent un soutien solide, bien que limités par une écriture légère. Asha Parker Wallace, faisant ses débuts dans le West End en Nikki, pétille de mordant, tandis que des perles de l’ensemble comme Charlotte Jaconelli (Les Misérables) en Queenie et Jake Dupree (Mamma Mia!) en Trey/Chardonnay apportent éclat et piquant. Les doublures Hope Dawe (Heathers) et Idriss Kargbo (Wicked) complètent un banc vocalement riche.
L’équipe de production regorge de talents du West End : Steven Antin (livret/producteur, Coyote Ugly), Kate Wetherhead (livret supplémentaire, Submissions Only), Rory Beaton (The Phantom of the Opera) à l’éclairage, Nina Dunn (Hamilton) à la vidéo, Ben Harrison (Wicked) au son, et Jessica Plews (Mamma Mia!) aux perruques/coiffures. Le style de Plews, en particulier, conjure l’esthétique fantaisiste du spectacle. En coulisses, Maria Baker (The Book of Mormon) en tant que régisseuse et Patrick Malony (Les Misérables) en tant que directeur de production assurent une exécution fluide. Pourtant, malgré ce réservoir de talents, le spectacle semble gonflé ; sa durée de près de trois heures étire son éclat à l’extrême. Le remplacement de Nick Winston (Bonnie & Clyde) par Hall à la mise en scène et chorégraphie apporte un dynamisme chorégraphique, mais pas toujours la cohésion théâtrale nécessaire pour élever le matériau au-delà de ses origines. Le Savoy Theatre, avec son opulence édouardienne signée C I Phipps (Her Majesty’s Theatre) et ses ornements intérieurs de Collinson & Locke (Theatre Royal Drury Lane), offre une intimité et une élégance qui rehaussent l’immersion du spectacle.
Malgré son ambition et son polish, Burlesque La Musicale ne capture jamais l’étincelle qui a fait du film plus que la somme de ses parties. Ce film — trempé dans le kitsch, défiant dans sa sincérité, et ancré par les pommettes d’acier de Cher — était glorieusement absurde de toutes les bonnes manières. Il savait qu’il était un rêve fiévreux et en rajoutait, laissant le fantasme déferler. La musicale, bien que spectaculaire en son et en image, semble prudente. Elle polit ce qui devrait rester brut, étire ce qui devrait claquer, et oublie parfois que le camp ne se résume pas aux paillettes — il s’agit d’audace.
Pour les fans du film et les amateurs d’excès théâtral sans complexe, cette version scénique offre beaucoup à savourer : une soirée de strass, d’empowerment et de joie queer, où chaque note haute est atteinte et chaque jambe est lancée. Mais c’est aussi un rappel que certaines magies cultes ne peuvent être reproduites — ou du moins, pas sans plus de paillettes et beaucoup plus de cran.
Broadwayguy 